Ennio Morricone

Ennio Morricone (Roma, 10 de noviembre de 1928) es un compositor y director de orquesta italiano. Es mundialmente conocido por haber compuesto la banda sonora de más de 500 películas y series de televisión. Sus composiciones han formado parte de más de 20 películas galardonadas como también piezas sinfónicas y corales. Destacan, entre otros, sus trabajos en películas del Spaghetti western de la mano de su amigo Sergio Leone, como Por un puñado de dólares (1964), La muerte tenía un precio (1965), El bueno, el feo y el malo (1966) o Hasta que llegó su hora (1968). No obstante, su obra se extiende a multitud de géneros de composición convirtiéndolo así en uno de los compositores más versátiles de la historia del cine y también de los más influyentes del siglo XX. Sus composiciones para Días del cielo, La misión o Cinema Paradiso son catalogadas como auténticas obras maestras.

El bueno, el feo y el malo

Historia musica cinematográfica

CINE MUDO: La música que acompañaba las películas se tocaba en directo con piano,
orquestina, etc. Se interpretaban piezas clásicas y melodías populares, o bien se
improvisaba al piano.
CINE SONORO: Fue concebido para difundir cada película con su música. Nace con el
estreno de la película El cantor de jazz en 1927, dirigida por Alan Crosian.
AÑOS 30: La música se concibe como una sinfonía con un tema principal y diferentes
leitmotiv para los personajes. Triunfan compositores llegados a EEUU desde Europa.
Destaca Max Steiner con Lo que el viento se llevó y Eric W. Korngold con Robin Hood.
AÑOS 40: Época dorada de las bandas sonoras de Hollywood. Se utiliza el leitmotiv.
Destacan Alfred Newman con Cumbres Borrascosas, Miklòs Rózsa con Ben Hur y
Bernard Herrmann con Ciudadano Kane.
AÑOS 50: Se incorpora el Jazz. Se componen músicas exóticas. Destacan Elmer
Bernstein, Alex North con Un tranvía llamado deseo, Malcomn Arnold con El Puente
sobre el Río Kwai y Nino Rota.
AÑOS 60: Se pone de moda que una canción aparezca varias veces en la película como
un leitmotiv. Destacan Henry Mancini con Desayuno con diamantes y Ennio Morricone
con El bueno, el feo y el malo.
AÑOS 70: Redescubrimiento de la música sinfónica de la mano de John Williams con
La guerra de las Galaxias (Star Wars), que no tenía interés por los sintetizadores.
Destaca también Jerry Goldsmith con Alien.
AÑOS 80: Los sintetizadores dominan las bandas sonoras de esta década que se inicia
con el Óscar a Vangelis por Carros de fuego (Chariots of Fire). Destacan Maurice
Jarre, Michael Nyman con El Piano y John Barry con Memorias de África.
AÑOS 90: Fusión de estilos. Se continúa con la música sinfónica y con los
sintetizadores. Se ponen de moda las canciones comerciales. Siguen en activo algunos
de los compositores nombrados y destacan también James Horner con Titanic, Hans
Zimmer con Gladiator, Nicola Piovani con La vida es bella, etc. En el cine de
animación destaca Alan Menken.
MÚSICAS PRESTADAS: Además de la música original, el cine siempre ha recurrido a
música ya compuesta, sobre todo, a los grandes clásicos y éxitos del Pop-Rock. El uso
de la música clásica fue un recurso obligado al principio hasta que surgieron los
primeros compositores especialistas en cine. El Pop aportó música conocida y
contribuyó a que el cine fuera fácilmente aceptado por el público.

Música cinematográfica

Por música cinematográfica se entiende toda música compuesta para una película. Podría pensarse en un primer momento que no hay ninguna diferencia entre el término música cinematográfica y el de banda sonora. Esto es un grave error, pues la música es parte de la banda de imagen sonora que funciona junto con la de imagen visual, y lleva además las voces y los efectos de sonido. El cine funciona en sonido e imagen, y el primero es vital para entender la segunda. Es por esto que la música compuesta para el cine tiene sus propias características, distintas a la de todo otro tipo de composición.